臧新明先生现为山西大学美术学院国画系的资深教授，他不仅在中国花鸟画、书法、篆刻和日本岩彩画方面有很深的造诣，而且兴趣广泛，精研并创作诗词歌赋等。与此同时，他还不断提升自己的理论素养和人文修养，并于2009年于日本广岛大学获得了美学博士学位，其后做博士后研究，现继续兼任广岛大学客座研究员。因此，臧新明教授不仅是一位专业素养优秀的画家，而且是一位具有传统“士人风骨”的“画师”，更是一位兼具国际视野和人文关怀的“哲人”。然而，他所取得的成就及社会赞誉与其青少年时期的经历、与人杰地灵的汾阳有着不可分割的联系。
一、汾阳——艺术启蒙的摇篮
有言道：一个人青少年时期的影响会贯穿其一生。对于臧先生而言，无疑如此。他将“画画”的个人兴趣转变为人生的终极追求，这与他在汾阳时期的艺术启蒙是分不开的。正是在汾阳，臧先生开启了其艺术之路，并逐渐地呈现为“星星之火可以燎原”之势，不久便在绘画上面流露出过人的才华。
臧先生自述他在七岁的时候随父母工作的变动而迁至汾阳，自此便在汾河水的哺育下茁壮成长，而画画天赋的流露则显现于“幻灯片”制作所需要的“玻璃图像”。在他儿时的游戏活动中，一项游戏是制作并放映“幻灯片”——借助于光的明暗将玻璃片上的图像放映在白色的墙上。在这项游戏中，玻璃上图像的绘制是关键的一环。起初他并没有主动请缨，而是观看其他小朋友画，后来在同伴的建议下画出了人生的第一幅“绘画作品”，并获得了小朋友的肯定和赞扬。从此，这个绘制幻灯片所需“玻璃图像”的光荣任务便落在他小小的肩膀上，彼时的责任感和成就感如同盛开的鲜花，香溢满怀。在这一“庄严任务”的完成过程中，他绘画的兴趣和天赋充分地显露出来，在小朋友和家人的认可中播下了从事艺术的种子。
种子自身具有旺盛的生命力且主动向外生发，其一旦被播下便会寻求一切的机会和可能无限生长。在这股强劲“生生之力”的推动下，臧先生怀着“初生牛犊不怕虎”的精神只身前往汾阳文化馆去寻找艺术之路上的“导师”。这便结下了其艺术之路上一个极为重要的启蒙之缘——王捷三和靳冠山老师。他们是当时汾阳绘画界的顶梁柱。新明先生利用一切可以利用的时间和机会认真地跟随他们学习绘画技法和理论。通过面对面交流与传授的传统“教——学”模式，他认识了绘画艺术世界的五彩斑斓，理解了众多绘画术语的内涵，领悟到了艺术生命的光彩。这整个学习过程中，王捷三老师生动的讲解和示范“透视”观念给臧先生留下了深刻的印象。透视法对于刚刚接触绘画的小孩子来讲很难理解其确切的含义，王捷三先生便通过“墨水瓶”的实践示范来具体展示，形象地解释了“透视关系”。
经过老师们的提点和自己多年的不懈努力，臧先生在十六岁的时候迎来了人生中的第一次“画展”。这次画展是汾阳文化馆举办的“汾阳县美术作品展”，王捷三老师看中臧先生的绘画天赋及潜能，特辟了一个专栏来专门展示其绘画作品，这些作品涉及十几幅国画人物小品的写生作品。这次展出虽然并不是真正意义上的个人画展，但它是臧新明先生突破个人或者周围熟悉的人的小圈子第一次在正式的公共场合进行公开展示。这是继其人生第一次绘制幻灯片所需的“玻璃图像”之后的又一次重大突破。这次突破使绘画从个人兴趣转向了人生之路的选择，朝着艺术的方向坚定地前行。在之后的人生中虽然也经历了一些曲折，比如初中毕业之后进了吕梁技校学习化肥专业，毕业之后还进了化肥厂工作，但是他绘画的热情一直没有消退，始终坚持着“绘画的工作”。
1977年高考恢复之后便通过自己的努力于1983年考入了山西大学艺术系国画专业深造学习。在毕业时，臧先生的专业成绩从入学时的后三名进入到前三名。毕业之后，他被分配在晋中师专任教，于任教期间在太谷师范支教期间举办了人生第一次真正意义上的画展。之后他又去中央美术学院进修，且于1991年在北京举行了自己的第一次重大意义上的画展。此次画展受到了众多绘画大家的认可和赏识。时任文化部长的贺敬之亲临画展；著名诗人艾青两次去了画展；中央美院的老师及书画名家（黄胄、何海霞、吴冠中、庐沉等）也去观览画展并从专业视角给予肯定和赞扬；很多展品被收藏家买走并获得了人生的第一桶金。画展之后便留学日本继续其艺术之路，考上了日本著名的美术大学——多摩美术大学并以“9A”的优异成绩毕业取得硕士学位，毕业之后以国际交流员的身份入住野吕山艺术村并在全国各地举办了个人画展。2003年臧先生又考入了日本广岛大学攻读美学博士学位以提升自己的理论素养，2009年毕业并于同年进入该大学任客座研究员。也于同年，他回到山西大学执教，回报母校、回报祖国。可以说，臧先生从大学开始其艺术之路几乎可以用“一路开挂”来形容。
臧先生从汾阳走到了太原，从太原走到了北京，从北京走到了日本，从日本走到了国际艺术的前沿，拥有了国际的视野和博大的胸襟，成为了一名艺术素养极高的优秀画家。2009年又从日本毅然地走回了中国、走回了山西、走回了汾阳。他任汾阳市政府的艺术顾问，积极参与汾阳的活动而服务汾阳、回报汾阳。
二、乡愁——艺术表现的底色
“老乡见老乡，两眼泪汪汪”“执手相看泪眼，竟无语凝噎”“无可奈何花落去、似曾相识燕归来”……人世间的离愁别绪总是充满伤感，但是在伤感的背后却蕴含着深深的眷恋和期盼，其作为人生的希望之光始终在心中作为底色而存在。试想内心无望无依的伤感会留下什么？可能会只剩下深深的虚无感而不知所措，可能会坠入自己的虚幻中而陷入迷惘，可能会深陷黑暗而被其左右进而吞噬。所以，乡愁虽说是一种离别感伤，但是这感伤正是有情，正是有所依、有所归的希望之心。常年漂泊在外的寄旅生涯成就了臧先生的艺术之路，促成了其艺术家梦想的实现。但是，这种“国门之外”的异域苦旅也使其更加深切地体会到乡情的意义、乡愁的内涵以及故乡的价值。这些人生体悟化成了其诗画艺术的灵魂而灌注在其艺术作品中。因此臧先生通过书画和诗歌不同的艺术形式在传递着这种价值及人生体悟：乡愁是伤感的、乡愁是希望的、乡愁是光亮的、乡愁是本根的、乡愁是甜蜜的感伤、乡愁是阿拉丁神灯、乡愁是还有家的归属……或者可以将乡愁归纳为“愁”和“恋”两个层面。
古人云：言，心声也；书，心画也。这双重结构的乡愁便是臧先生艺术表现的生活底色和情感归属。他通过诗歌和书画各自不同艺术特性将乡愁的两面得以圆满地表达。他运用诗歌的艺术形式将故土离别、月圆思亲、静夜念友、异乡寂旅等浓浓的“离愁别恨”深情、婉转、一唱三叹地款款道来，使人感同身受地体悟到“怎一个‘愁’字了得”；运用书法、篆刻、绘画的艺术形式将这浓浓“愁情”背后蕴含的“恋念”表现出来。淳朴、鲜亮、澄澈、温暖、静谧、单纯等故乡所赋予的生命归属感通过有形的图像得以传达，使人们透过对视觉形象的观赏而体味到“故乡”的“美和媚”，感悟到生命归属和精神安放的宁静与安然，领会到“愁”字之上的“恋”。也正是基于此，臧先生不仅是一位艺术造诣颇高的“画家”，而更是一位具有传统“士人风骨”的“画师”，更是一位参悟深刻哲理的“哲人”。他不但追求诗画意象的纯粹与完美，而且更加强调意境的深邃与人间挚情的结合。这意境传递出的不是荒寒、萧瑟、凄苦、无明，而是温暖、阳光、明净、鲜活，是指向个人人生、甚至整个人类的至善之情，为现实人生的超越和努力提供精神指引。诗与画的互补给“乡愁”做出完美的诠释，在苦乐、意象、情色、愁恋、时空等的巨大情感张力履行着自身的使命、传递着生命的真理，使得乡愁变得迷幻而唯美，使人们时而笑着就哭了，时而哭着就笑了。
诗之愁，处处锥心，岁月空色不自言，唯有晴雨点云霞。乡愁入心，深沉绵长；乡愁入肺，泣泪成伤；乡愁入诗，境深情彰。
现摘取臧先生几首词以感受这乡愁凄凄……
臧先生之画多取春华秋实之象，因此其画幅中常常以桃子、南瓜、向日葵、石榴、葫芦、柿子等基于乡土社会而形成的传统吉祥物作为表现载体，并通过对其适度变形而赋以时间的印痕和岁月的磨砺，同时将情感定格在真、纯、鲜、明的那一刻，进而传递出返璞归真的愉悦感。这愉悦不是细雨和风的欢娱，而是历经风雨之后的心灵澄澈——滤去俗念和私欲而进入永恒的纯真之心、光明之眼。通过这去欲的、历史的、旺盛生命力的图像表征而为个人及人类的发展和延续提供希望和承诺，恰如司汤达所认为的：艺术是对幸福的承诺。
臧先生之书多取活泼、天真、古拙之趣，故其书法作品几乎少见精巧设计、人工雕琢、求全求备的痕迹。现代都市文明孕育了城市的繁华、科技的发达、人情世故的驳杂、自然的消逝等时代景象。“乱花渐欲迷人眼”，都市的绚烂使人们迷失在绚烂的“物欲世界”中而迷失自我，欲望的膨胀使生命成了飞驰的车轮，在不断的追逐中被一个一个外物所累，名缰利锁，精疲力竭。臧先生书法正是一反这种工具性的生命价值，追求生命的本真，这本真即是简淡、纯真。这简淡、纯真正是汾阳记忆和情感在其人生上的投射，也是他对人生领悟的精华在书法上的显现。
臧先生之印多呈拙朴、雄浑之姿；潇洒、率真之貌。明代杨士修在《印母》中曾言：“刀笔苍老者，如千年古树，形状萧疏；娇嫩者落笔纤媚，运笔清浅，素则如西子淡妆，艳则似杨妃醉舞。”臧先生从汉印基础入手，通过学习近代篆刻大家吴昌硕、齐白石、邓散木等人的风格和体貌，再结合自己的性情、艺术修养和人生历练进而形成了自己独特的风姿神貌。在其篆刻作品中，可见笔力遒劲，神姿沉稳，又于雄浑中见巧致；构图疏密有致，布白大胆心细，边框突出自然；刀法多以短程碎刀连续切成，拙朴中见风骨。其力求在红白相间的方寸之间通过节奏长短、韵律起伏、情致深浅的和谐来展现“无为多姿”的大千世界和“深沉纯净”的精神世界。
三、创造——艺术生命的根祉
臧先生常常说到，艺术是一种“术”，是人为的东西而非自然的存在，因此艺术本就是创造自然中所没有的东西。其常常以荷花微风示例，认为荷花画的再逼真、再如自然一般，也不可能如自然般生动灵秀，使人能够全方位切身地感受荷花，嗅到荷花的清香，感受到微风的和煦……因此艺术不是自然的模仿，艺术是创造。因此，其一直以“创造”作为艺术的精神，在“创造”的艺术之路上一路驰行。其早在九十年代初就在其绘画上突破了“模仿”的艺术标准而走向“表现”。其在《新明画集》的扉页上就曾鲜明地说到：“画不必去言，需用身心悟。因为画中溶着画家创造之匠心，定会在体悟中沟通理解。我崇尚创造。艺术家的天职即创造，去创造自然中所不存在的一种新的美的秩序。”
从某种程度上说，作为整体性存在的自然是无法模仿的，因为自然是众多关系联结无分的整体，而艺术是就时空中有限存在的自然的某一面进行个别显现，因此艺术是无法超越自然的，其只能模仿自然的呈现物，如外在客观存在的人、物、事等。但是，抛开形而上意义的整一性的自然来讲，作为常规意义上理解的自然——与主观相对应的外在的客观存在，其是可以作为模仿的蓝本的，但是这呈现为一种“人为物役”的情态而消解了人的自由，使得艺术沦为政治、宗教的婢女，使艺术家牺牲了自己的个人自由而服从于某种外在的权威，曲解了艺术的存在独立性及其自身价值。基于此，这个意义上的“模仿”在今天的时代语境下已经不适应时代的精神需求。世界，只有作为人的世界才进入人的视野，才成为人的生命活动的真实呈现，因此只有经过主体感知、受到主体认同、通过主体实践创造的世界才是人的真正世界。艺术就是要创造这样一个自由的世界，一个本真的世界，在现实的功利世界和欲望世界中保留个人/人类的尊严和前行的动力，提供人类获取幸福的可能。但是，这“创造”不是“无中生有”、“主观臆造”，而是通过外在客观的存在（自然物）揭示出自然（形而上意义的）的永恒和无限，于现世中求永生，与自然中求幸福。这永恒、幸福便是一、纯、和而不同、生生不息。臧先生正是通过年轮中的自然物而表现这一终极人生关怀和生命价值的归属，在水蜜桃、柿子、向日葵、葫芦等意象中表现“天高任鸟飞、海阔凭鱼跃”的自由境界和豁达心境，使画面透出一种“静故了群动、空故纳万境”的透彻和澄明。
臧先生在艺术创造的道路上不断摸索，不断地在锤炼着自己独特的书画语言并形成了自身独特的风貌。其集自己创作的诗书画印于一体，使得画面整体呈现出浓浓的文人气息和哲理意蕴，在文字与图像相互衬托的广阔张力中形成一个独立自主、意蕴深远的纯一世界；其画面气定神闲、韵味清远，用笔沉着稳健，于拙朴中又见巧致，构图疏密得宜，设色鲜亮、用色纯粹，取像自然，兼以人事，虚实相参，空色相全；其画意融入了时间和历史的意识，于时间的流动和历史的驳杂中融合过去现在于一身而开启未来，在岁月的洗练和沉淀下寻得生命不懈的动力和原初的纯粹，以此获得生命价值的安放和现世的超越；其绘画、书法、篆刻和诗词作品整体都流露着乡土情怀中淳朴的风神，都镌刻着乡愁与乡恋的印记，其作为无形的精神灵魂一直伴随着一笔一画、一静一动。
（赵志伟）
来源：汾州乡情
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