流行音乐不需要声嘶力竭的原因

流行音乐不需要声嘶力竭主要是依靠了音箱、话筒、功率放大器。流行音乐是以盈利为主要目的而创作的商品音乐，它的结构短小、形式活泼、内容通俗、情感真挚，且被广大的群众所喜爱、欣赏并广泛传唱。

流行音乐的分类与唱法

吐字清晰是通俗唱法中最重要的特征之一。中国的通俗歌曲中，普通话为通俗唱法中的主流，这包括大陆创作的歌曲，一部分港台歌曲以及用普通话演唱的粤语原创歌曲。一起来了解流行音乐的分类吧~

一、低吟唱法

低吟唱法形成于20世纪30年代。从那时起，通俗歌手的演唱就已然离不开电声扩音了，他们的表演风格基本上都是手持话筒，嘴巴紧贴麦克风。由于话筒的运用，歌手们只需用说话般的音量轻轻哼唱，再通过电声扩大，听众就可以非常清楚地听到演唱者的音色效果。由于借助电声等技术手段，一些非常细微的变化与艺术处理就都能淋漓尽致地展示出来。

这种唱法在声音的听觉上较为自然，所用音量不大，音域也不宽。同时它也需要过多的声音训练，但一定要吐字清晰、乐感好，并能巧妙地运用电声音响。如果离开了这种技术手段，演唱就失去了威力，声音就显得单薄了。因此，也正是由于这种技术手段的应用才为后来通俗歌曲演唱的继承与传播奠定了坚实的基础。

二、民谣唱法

民谣唱法在世界各国的通俗演唱中都占有非常重要的地位，它不只限于民族歌手，同时还包括一些摇滚歌手。民谣唱法朴实自然，贴近人们的生活，演唱中大多使用“本嗓”，不刻意追求声音的音色效果和共鸣。

80年代中期以后，我国的通俗歌曲及演唱在发展中逐渐走向了新的阶段。许多中青年作曲家将中国民歌音调与西方现代通俗音乐的写作手法融为一体，以中国民族文化和历史为创作源泉，创作出大量的属于我们自己的通俗歌曲。它往往强调吐字的清晰与口语化。

此外，不少民谣歌手偏爱用浓重的鼻音，也常在高声部的伴唱中使用轻柔透明的假声，使声音极具抒情色彩，亲切而温馨，并在不断的艺术实践变化中，日趋形成更加完美的、深受大众欢迎的`歌唱风格。

三、港台唱法

港台唱法起源于20世纪三四十年代的上海，其一度被认为“阴柔有余，阳刚不足”。至六七十年代，在香港，通俗唱法模式越来越程式化，过于强调录音棚效果，音乐商人只重视选美包装，不重视提高通俗唱法的技能技巧，使得歌手能轻不能响，能柔不能刚，能低不能高，演唱技巧不够全面，音域也有限。

台湾歌手与香港歌手最大的不同之处就在于，追求独特的演唱特色和歌手自身的个性魅力。如赵传、张雨生、伍思凯、“动力火车”等，在唱法技巧上不断寻求新的突破，唱出了富有个性的风格、韵味和特色。顺子、张惠妹等女歌手，具有较为宽广的音域，并将欧美唱法中的先进技术巧妙地融入她们的歌唱之中。台湾通俗歌坛重视研究唱法，因此其发展较快。

在通俗歌坛上，港台歌星一直占有一席之地。在唱法上采用传统民歌中的小调的唱法，加上气声、轻声、柔声、吐字等，使声音甜润、含蓄、清澈，有纯情、淡雅的风格，以表现爱情、哀怨、抒情、轻松的舞曲和歌曲尤为见长。此外，在舞台表演上注重与观众交流，善于调动观众的热情，注意从服装形体上给观众以视觉美和造型美。这些特点是这一唱风经久不败的重要原因。

四、欧美唱法

欧美唱法起源于布鲁斯音乐，二百多年来发展成为流行、爵士、摇滚或它们的综合体歌唱形式。以唱法而言，它们的发声基础始终是统一的——低声区像“叹气”、中声区像“说话”、高声区像“喊叫”。至20世纪六七十年代，美国歌坛开始向技巧化发展，具体反映在音域的扩大、力度对比的加大以及表现力的全面性，歌手具有扎实的音乐基础和唱功，音域宽广、变化多端。

欧美唱法有着更为科学发声的基础，技巧上趋于完美，形成了一套属于他们自己美学效果的发声体系。在演唱上，它用一种没有任何装饰的最为本色的、粗糙的、沙哑的、声嘶力竭的音质进行演唱，那刚劲有力、粗犷豪放的风格被渲染得淋漓尽致。在表演上，着重服装色彩，有着随便、现代、新奇、开放并独具一格的风格。

五、美国黑人歌曲

富有激情和即兴装饰是美国黑人演唱艺术的灵魂。在其演唱中经常采用一领众和的演唱形式。领唱者运用呐喊、尖叫、抽泣、呜咽、滑音、颤音、假声等富有装饰性的演唱技巧，并将一些简单的旋律片断即兴演绎发展成极为华丽并富感染力的乐段，由此产生动人心魄的艺术效果。

爵士乐出现后，美国黑人又创造出高度炫技的演唱方式，用一些没有具体含义的衬词，唱出多种复杂多变的节奏，或用人声模仿爵士乐队中的各种乐器的音响。如世纪90年代兴起的“饶舌乐”(Rap，以急速的节奏念出歌词)，在一定程度上也是这些高难度人声表现方式的延续。

什么叫轻音乐?

轻音乐是什么意思

轻音乐，是指那种风格轻松、活泼的音乐，它是能给人以愉悦和抒情感，优美动听、通俗易懂的音乐。所谓“轻”，是指与庄重的严肃音乐对比而言。舞曲、进行曲、小夜曲比奏鸣曲、交响曲要“轻”；轻歌曲丹抒情歌曲、诙谐歌曲比大合唱、清唱剧要轻；喜歌剧要比正剧要“轻”。形象地说，它是音乐中的轻武器，和文学里的小品文、笑话、抒情诗等大致相同。轻音乐在当前人们的音乐生活中占有重要的地位。优美、健康的轻音乐不仅可供消遣娱乐，同时也能陶冶情操，提高欣赏者的音乐水平。

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什么叫音乐?

广义的讲，音乐就是任何一种艺术的、令人愉快的、审慎的或其他什么方式排列起来的声音。所谓的音乐的定义仍存在着激烈的争议，但通常可以解释为一系列对于有声、无声具有时间性的组织，并含有不同音阶的节奏、旋律及和声。

什么叫轻音乐，什么叫重音乐？

所谓轻音乐（LIGHT MUSIC）是相对古典音乐而言的，即用通俗流行手法进行改编诠释，用小型乐队进行演奏，以营造温馨浪漫情调、轻松优美氛围为宗旨，带有休闲性质的一种通俗音乐。众所周知，古典音乐具有厚重的织体，庞大的结构和规模，凝重的乐思，深刻的思想内涵，最主要的特征是严肃端庄。轻音乐则相反，织体轻盈，结构小巧简单，节奏明快舒展，旋律优美动听。它没有什么深刻的思想内涵，也不想拥有这种内涵，只想带给人们轻松优美的享受，其主要的特征是轻松活泼。因此，把这种音乐命名为轻音乐是非常贴切的。

但轻音乐也不等同于以流行歌曲为核心的流行音乐。它不像流行音乐那般具有鲜明的时代特征和对社会的批判意识而显得温文尔雅，也不像流行音乐那般媚俗、煽情而具有较高的审美品味，商业气息也相对较少。热门流行歌曲很快就会过时，优美的轻音乐乐曲却会经久不衰。总的来说，轻音乐介于古典音乐和流行音乐之间，是对二者鲜明对立的一个折中，可谓是音乐中的“第三种势力”。它古典气息和现代风味兼而有之，华丽而不艳俗，浪漫而不轻浮，抒情而不缠绵，既通俗易懂、平易近人，又格调高雅、风度不凡。古典乐迷不觉得粗俗，流行音乐爱好者也能够接受，可谓雅俗共赏。

轻音乐的这种特征使得它一出现就受到广泛的欢迎。30年代后期成立的曼托瓦尼乐队是轻音乐诞生的一个标志。该乐队以极为柔和动听、优美醉人的演奏，使轻音乐迅速树立了自己独特的形象和气质，在通俗音乐乐坛上奠定了自己的地位。60～70年代是轻音乐的全盛时期，一大批各具特色的轻音乐乐队纷纷建立，如詹姆士·拉斯特乐队、保罗·莫里亚乐队、享利·曼西尼乐队、珀西·费斯乐队、斯坦利·布莱克乐队、贝尔特·肯普弗尔特乐队、维尔纳·缪勒乐队、阿尔费雷德·豪泽乐队、弗兰克·普赛尔乐队等。这些乐队在欧美各地不断举办轻音乐演奏会，录制了大量精美唱片，畅销世界各地。这种小巧精致的音乐让古典乐迷们感到两耳一新，风味别具，就好比穿久了正儿八经的西服后，换上了随意自然的休闲服一般。而流行音乐爱好者在领略了声嘶力竭的呐喊冲击之后，轻音乐就像是一杯清凉爽口的饮料。

什么叫做轻音乐？

轻音乐，是指那种风格轻松、活泼的音乐，它是能给人以愉悦和抒情感，优美动听、通俗易懂的音乐。所谓“轻”，是指与庄重的严肃音乐对比而言。舞曲、进行曲、小夜曲比奏鸣曲、交响曲更“轻”；轻歌曲、抒情歌曲、诙谐歌曲比大合唱、清唱剧要轻；喜歌剧要比正剧要“轻”。形象地说，它是音乐中的轻武器，和文学里的小品文、笑话、抒情诗等大致相同。轻音乐在当前人们的音乐生活中占有重要的地位。优美、健康的轻音乐不仅可供消遣娱乐，同时也能陶冶情操，提高欣赏者的音乐水平。 轻音乐作品的旋律优美动听、清晰流畅，节奏鲜明轻快，音色丰富多彩，深受人们喜爱。总括起来说，轻音乐的特点是：结构短小，旋律动听、形式不拘一格。乐队组织精炼、配器新颖、节奏鲜明。它能较细腻地表达人的思想感情。 在人民群众中间，轻音乐十分普及，具有广泛的社会意义和精神作用。轻音乐的种类较多，它包括一般的生活歌曲、抒情歌曲、诙谐歌曲、讽刺歌曲，还包括一些轻歌剧、圆舞曲、小型管弦乐序曲、小夜曲，以及部分管弦乐曲小品、电影歌曲、舞蹈音乐、优美钢琴曲等

轻音乐会的轻是什么意思

什么是古典音乐的标准？

什么是古典音乐的标准？“古典（派）的”这一词汇本身包含平衡、节制、简洁和精致的概念。这些概念例如可用于“古典”建筑，但用以表达古典风格还不够贴切，古典风格音乐可以具有暴风雨般的气势和复杂的内容和形式。简而言之，古典风格是指那些可以从18世纪最伟大和最著名的作曲家海顿、莫札特和贝多芬的音乐中听到的风格。那么，他们的音乐区别于前承的巴洛克音乐和后继的浪漫主义音乐的基本要素又是什么呢？

形成古典风格空前绝后特征的部分原因是历史性的。有一点可以确认，如果古典风格中出现民族化的倾向，就会使18世纪中叶的作曲家们惊讶不已，因为那是到19和20世纪才出现的。虽然他们认识到他们的作品与巴洛克晚期的作品形成强烈的反差，但其渐变过程都比历史的动因更为缓慢。

也许采用奏鸣曲曲式是古典音乐最典型的特征，这种曲式是许多18世纪末期作品，共同采用组织音乐素材的基本方法，但它作为整整一代的主要曲式，一直使用到古典乐派衰亡之后，并为浪漫主义时期的许多作曲家提供了灵感。

古典作曲家对奏鸣曲形式的描述，从未像我们现在这样彻底。更重要的是，18世纪中叶的作曲家喜欢运用表达的概念。莫扎特在写给父亲的信中，为他的创作意图提供了一条重要的线索，他当时这样谈到了他的钢琴协奏曲的创作：“极难与极易之间的愉快媒介，它们都是非常辉煌和悦耳的，而且十分的自然流畅。乐曲中不时伸入一些过门，鉴赏家可以从中得到满足；但是这些过门都写得不深奥以免曲高和寡。”通俗易懂正是莫札特音乐生命力所在。

简单易懂的音乐语言发展是与18世纪启蒙运动的思想密切联系。它为了解下列现象必然会发生的原因提供一个线索：即1740年前后，滋生了一种对老学派假定的晦涩传统方法不耐烦的情绪。这种传统方法讲究作曲的对位法技巧，当时的作曲家希望写出一些具有开放和声（和弦中各音位置排列为分散的和聱）的简单乐曲。但是最要紧的是不要混淆古典风格的主流发展。因为到海顿、莫扎特和贝多芬时代，这些革命性的变化已经被音乐语言所吸收：人们可以从海顿早期的交响曲看到这种演变过程，亦可（以完全不同的角度）从莫札特的交响曲中看到。而且成熟古典风格还有一个重要特点（显然正是它使我们感到糊涂），就是回归到巴洛克鼎盛时期的对位原理（contrapuntal principles）。

在古典风格音乐中，对比的思想是本质特征，就像在奏鸣曲形式中的描述一样，“强烈”的第一主题与通常有节制的第二主题形成对比。尽避在巴洛克晚期音乐中已有许多著名的例子，其中强烈的对比概念是极重要的。例如像韩德尔的清唱剧和歌剧中的戏剧性合奏那样。另一方面，在古典风格的范畴中也可以找到这样的作品，即在某一乐章中几乎放弃了对比的概念，以追求一致性的表达：韩德尔的交响曲和弦乐四重奏中的许多乐章，被认为是单一主题的，或建立在一个主题的基础之上。有时它们可能表现出动态的对比性，但实际上保持音乐素材的统一性，与我们对古典风格的简单认识相矛盾。另外一些例子可在莫扎特早期一些钢琴协奏曲里，流畅和优美旋律的乐章中找到。

如果有一个区分古典与巴洛克音乐结构的标准的话，那么肯定就是调高或调性的运用，这是作品中的戏剧性要素。古典乐派作曲家建立了一套运用不同主调之间，对文与平衡的全新表现技巧。例如：海顿四重奏乐章中的大多数新奇感，来自于当听众的注意力被导向希望听到某一确定的调性时，而听到的却是另一调性。还有节奏上的新奇感和旋律上的新奇感，但是表现这类新奇感的重要方法则是透过调性之间的对比来实现。

我们不必像19世纪的评论家那样产生过分理性化的倾向，但只要我们抓住这......>>

什么叫纯音乐

纯音乐就是作曲初衷就不包含填词的音乐.作为纯音乐,这种音乐模式完全以纯粹优美的音乐来叙述表达作者滴情感,所以一般简称做纯音乐.虽然它没有歌词,但是它完全以自己优美的曲调实现了完美.正因为如此,纯音乐的作曲要求十分的高,要作出一曲优秀的纯音乐除了必须的大量灵感来支持作曲外,还需要作者不单在乐理上,更是在生活体验,人格和精神上有很深的水准造诣.因为作为欣赏纯音乐也是在用你的精神与心灵触摸作者滴精神和心灵,从一首纯音乐,你可以看见作者的思想,情感,胸襟,人格,甚至他的灵魂.而一首优美的纯音乐可以有效的调节你的心情,陶冶你的情操,甚至让你能有所感悟,从而拓展你的胸襟,完善你的人格--只要愿意你敞开你的心扉,用你的灵魂去倾听.所以一首真正优美的纯音乐也是值得雪藏,百听不厌的极品.纯音乐在风格上也是很多变的,从轻音乐到重金属,所有音乐风格的舞台上你都可以看见纯音乐的身影.比如说班得瑞等音乐制作者制作的音乐.很多REMIX的音乐及instrument制作者,对原来有词歌曲曲谱加以改编,或直接提出其曲谱作为单独的音乐展示,也是纯音乐的一种.例如一些影视动漫对主题曲作变奏修饰处理后的Back Ground Music(BGM).

什么是轻音乐，听轻音乐有什么好处

轻音乐以通俗方式诠释乐曲，其来源可以是原创，也可以是对古典音乐、流行音乐或者民谣进行改编而成。轻音乐一般以小型乐队加以演奏，结构简单、节奏明快、旋律优美。轻音乐可以营造温馨浪漫的情调，带有休闲性质，因此又得名“情调音乐”（Mood Music）。轻音乐起源于一战后的英国，在20世纪中后期达到鼎盛，在二十世纪末渐被新纪元音乐取代，但时至今日尚有一定影响力。轻音乐的特点有：娱乐性音乐同其他艺术一样,都是寓教于乐的。而轻音乐的娱乐性特点表现得更为突出，可以说,轻音乐是运用它特有的轻快、轻松、轻巧、轻盈，还有轻型的特色来充分发挥它的娱乐功能的。。它的音乐通俗、浅显、易懂。因此，欣赏轻音乐比欣赏交响乐要容易得多。生活化轻音乐不仅在内容上大都为人们所熟悉,而且它的欣赏过程也比较随便，可以在剧场这种正式场合，也可以在公园、饭店、舞会、茶座、商店里欣赏。至于在家里,那就更随意了。它具有现代生活气息的节奏、韵律和音色特点，是伴你休闲、旅游、进餐、入梦的很好的朋友。轻轻地闭上眼睛，舒坦全身的筋骨，再将心中的忧虑倾出，放进水晶般的音符里，沉浸、涤荡、漂净..让心的忧容褪色、雾化，流进大海，遁入虚空！清凉剔透的水晶，返璞归真的天籁，如香汤沐浴、似甘露灌顶，纾解胸中沉积不散的郁闷，扫除心中许久以来的阴霾，身心自在，忘却忧伤。音乐能引导出α脑波。许多国家将音乐配合医疗体系，广泛应用于各种心理及生理治疗之中，已不是新鲜的事了。音乐对于人的身心具有确实的治疗作用，音乐的治疗功能，是透过音乐的物理作用，直接对体内器官产生共振效果。因为声音是一种振动，而人体本身也是由许多振动系统所构成，如心脏的跳动、胃肠蠕动、脑波的波动等。当听到音乐产生的振动与体内器官产生共振时，会使人体分泌一种生理活性物质，调节血液流动和神经，让人富有活力、朝气蓬勃。轻音乐可以让人消除工作紧张、减轻生活压力、避免各类慢性疾病等等，这些都是有医学根据的。在医学研究中发现，经常的接触轻音乐节奏、律动会对人体的脑波、心跳、肠胃蠕动、神经感应等等，产生某些作用，进而使身人身心健康。音乐无形的力量远超乎个人想象，所以聆听音乐、鉴赏音乐，是现代人极为普遍的生活调剂。 轻音乐到底有哪些神奇的功能呢？对健康有多少帮助呢？下列是一些资料报导：轻音乐是一种神奇的灵魂补给品。

1. 音乐可以让身体放轻松，好的音乐可以纾解压力，避免因自律神经紧张失调而导致慢性疾病的产生。

2. 音乐可以敲开封闭的心灵，纾解忧郁苦闷的心情，甚至音乐还可以做到某些程度的心灵治疗。

3. 音乐可以 *** 脑部，活化脑细胞，适当的音乐 *** 对脑部的活动有很大的帮助，甚至达到防止老化的功效。

4. 音乐可以提升创造力、企划力以及 *** 右脑，尤其是古典乐曲，对右脑的训练与发展是很有帮助的。

5. 音乐可以帮助入眠、提高免疫力、增加神经传导速率、增强记忆力与注意力，让人的身心都得到适度的发展、解放。

6. 音乐的旋律可以使婴儿呼吸平静、心跳减缓，让婴儿不再哭闹不安，也可以 *** 婴儿的大脑思维能力，让他更聪明。

7. 音乐可以敲开封闭的心灵，纾解忧郁苦闷的心情，甚至音乐还可以做到某些程度的心灵治疗。

8. 音乐可以让身体放轻松，好的音乐可以纾解压力，避免因自律神经紧张失调而导致慢性疾病的产生。

有什么好听的轻音乐

1. 一剪梅 2. 夜曲 3. 昨日重现 4. 回家

5. 梁祝 6. 追梦人 7. 月光 8. 屋顶

9. 婚礼进行曲 10. 爱拼才会赢 11. 热浪 12. 卡农

13. 天空之城 14. 天空之城 15. 茉莉花 16. 翅膀

17. 二泉映月 18. 飞天 19. 梦中的婚礼 20. 选择

21. 最终幻想 22. 人鬼情未了 23. 泰坦尼克号 24. 美酒加咖啡

25. 只有你 26. 常回家看看 27. 雨的印记 28. 绿袖子

29. 奇迹 30. 少女的祈祷 31. 蓝色多瑙河 32. 十五的月亮

33. 故乡的原风景 34. 星空 35. 中华民谣 36. 雪绒花

37. 秋日私语 38. 月亮 39. 欢乐颂 40. 罗密欧与朱丽叶

41. 小星星 42. 天鹅湖 43. 献给爱丽丝 44. 野花

45. 出埃及记 46. 土耳其进行曲 47. 寂静之声 48. 蓝色的爱

49. 天鹅 50. 烟雨濛濛 51. 水边的阿狄丽娜 52. 和兰花在一起

53. 初雪 54. 拉德斯基进行曲 55. 小步舞曲 56. 安魂曲

57. 月光奏鸣曲 58. 日落 59. 森林狂想曲 60. 梦幻曲

61. 西班牙斗牛士 62. 梁祝小提琴协奏曲 63. 神秘园之歌 64. 魂断蓝桥

65. 巴比伦河 66. 雨中漫步 67. 闪亮的日子 68. 爱的纪念

69. 清晨 70. 清晨 71. 思乡曲 72. 永恒的爱

73. 命运交响乐 74. 平安夜 75. 似曾相识 76. 迷雾森林

77. 天地孤影任我行 78. 红梅花儿开 79. 斯卡布罗市集 80. 千年之爱

81. 雪之梦 82. 爱的协奏曲 83. 永远爱你 84. 克罗地亚狂想曲

85. 最终幻想钢琴曲 86. 田园交响曲 87. 圣母颂 88. 蓝色狂想曲

89. 仲夏夜之梦 90. 日光海岸 91. 莲花 92. 雨过天晴

93. 断情殇 94. 魔笛 95. 生命之歌 96. 月光石

97. 蓝色天际 98. 英雄交响曲 99. 梁祝之化蝶 100. 春野

101. 寂静山林 102. 春之声圆舞曲 103. 仙境 104. 爱之梦

105. 安妮的仙境 106. 维也纳森林的故事 107. 杜鹃圆舞曲 108. 宋家王朝

109. 老鹰之歌 110. 春风 111. 牧童短笛 112. 漫步神秘园

113. 水晶音乐 114. 云淡风轻 115. 菩提树 116. 风姿花传

117. 四小天鹅 118. 丝绸之路 119. 幽默曲 120. 万福玛丽亚

121. 哀歌 122. 睡眠曲 123. 幻想即兴曲 124. 悲情城市

125. 胡桃夹子 126. 永恒的记忆 127. 火宵之月 128. 满天星

129. 故宫的记忆 130. 海之女神 131. 海之女神 132. G弦上的咏叹调

133. 飞鼠溪 134. 小星星变奏曲 135. 小美人鱼 136. 雨中的故事

137. 溜冰圆舞曲 138. 迷情仙境 139. 寂静之音 140. 给母亲的信

141. 沉思曲 142. 忘却的悲伤 143. 牺牲 144. 柔如彩虹

145. 大地之歌 146. 重归苏莲托 147. 悲怆奏鸣曲 148. 闲聊波尔卡

149. 巴格达的星星 150. 梦花园 151. 普罗旺斯 152. 寂寞的人

153. 凯旋进行曲 154. 随想曲 155. 聆听自然的声音 156. 永浴爱河

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什么叫轻音乐，有什么特点，适合什么心情听

众所周知，古典音乐具有厚重的织体，庞大的结构和规模，凝重的乐思，深刻的思想内涵，最主要的特征是严肃端庄。轻音乐则相反，织体轻盈，结构小巧简单，节奏明快舒展，旋律优美动听，一般都由钢琴和小提琴演奏。它没有什么深刻的思想内涵，也不想拥有这种内涵，只想带给人们轻松优美的享受，其主要的特征是轻松活泼。因此，把这种音乐命名为轻音乐是非常贴切的。 但轻音乐也不等同于以流行歌曲为核心的流行音乐。它不像古典音乐那般具有鲜明的时代特征和对社会的批判意识而显得温文尔雅，也不像流行音乐那般媚俗、煽情，而是具有较高的审美品味，商业气息也相对较少。热门流行歌曲很快就会过时，优美的轻音乐乐曲却会经久不衰。总的来说，轻音乐介于古典音乐和流行音乐之间，是对二者鲜明对立的一个折中，可谓是音乐中的“第三种势力”。它古典气息和现代风味兼而有之，华丽而不艳俗，浪漫而不轻浮，抒情而不缠绵，既通俗易懂、平易近人，又格调高雅、风度不凡。古典乐迷不觉得粗俗，流行音乐爱好者也能够接受，可谓雅俗共赏。 轻音乐的这种特征使得它一出现就受到广泛的欢迎。20世纪30年代后期成立的曼托瓦尼乐队是轻音乐诞生的一个标志。该乐队以极为柔和动听、优美醉人的演奏，使轻音乐迅速树立了自己独特的形象和气质，在通俗音乐乐坛上奠定了自己的地位。20世纪60～70年代是轻音乐的全盛时期，一大批各具特色的轻音乐乐队纷纷建立，如詹姆士·拉斯特乐队、保罗·莫里埃乐队、享利·曼西尼乐队、珀西·费斯乐队、斯坦利·布莱克乐队、贝尔特·肯普弗尔特乐队、维尔纳·缪勒乐队、阿尔费雷德·豪泽乐队、弗兰克·普赛尔乐队等。这些乐队在欧美各地不断举办轻音乐演奏会，录制了大量精美唱片，畅销世界各地。这种小巧精致的音乐让古典乐迷们感到两耳一新，风味别具，就好比穿久了正经的西服后，换上了随意自然的休闲服一般。而流行音乐爱好者在领略了声嘶力竭的呐喊冲击之后，轻音乐就像是一杯清凉爽口的饮料。 轻轻地闭上眼睛，舒坦全身的筋骨，再将心中的忧虑倾出，放进水晶般的音符里，沉浸、涤荡、漂净..让心的忧容褪色、雾化，流进大海，遁入虚空！清凉剔透的水晶，返璞归真的天籁，如香汤沐浴、似甘露灌顶，纾解胸中沉积不散的郁闷，扫除心中许久以来的阴霾，身心自在，忘却忧伤。 音乐能引导出α脑波。许多国家将音乐配合医疗体系，广泛应用于各种心理及生理治疗之中，已不是新鲜的事了。音乐对于人的身心具有确实的治疗作用，音乐的治疗功能，是透过音乐的物理作用，直接对体内器官产生共振效果。因为声音是一种振动，而人体本身也是由许多振动系统所构成，如心脏的跳动、胃肠蠕动、脑波的波动等。当听到音乐产生的振动与体内器官产生共振时，会使人体分泌一种生理活性物质，调节血液流动和神经，让人富有活力、朝气蓬勃。

什么是音乐，怎么定义？ 70分

物体规则震动发出的声音称为乐音，由有组织的乐音来表达人们思想感情、反映现实生活的一种艺术就是音乐（英文名称：Music法文名称：Musique）。音乐是用有组织的音构成的听觉意象，来表达人们的思想感情与社会现实生活的一种艺术形式，也是最能即时打动人的一种艺术形式。在所有的艺术类型中，音乐是最抽象的艺术，现实生活中还有用音乐来减轻或消除患者病痛的音乐疗法。音乐不仅是艺术门类的一脉，也是作为人类的一种社会现象，是伴随着人类的出现而产生的，是人类社会发展到一定阶段的产物。

基本信息

中文名 :音乐

外文名 :music

别名 :music

法文名字 :Musique

关于唱歌的问题！！！

声乐艺术是一门控制艺术，假如不能正确地控制和协调身体各器官，没有魂牵梦萦般地去完整体验整个发声体的运动过程，要想掌握歌唱技术是非常难的。学习歌唱的过程实际上是一种练习如何控制整个系统和寻找使用合理共鸣的艺术。它有一定的规律可循，只要有健全的发声器官，有科学正确的学习方法，经过刻苦和持久的锤炼，就一定能够掌握它。人的歌唱器官如同一件管乐器一样，它是由发声体、共鸣腔和动力组成的。发声体是声带，共鸣腔包括胸腔、口咽腔和头腔，动力是使声带振动的气息。人要想发出所需要的声音，声带、气息和共鸣体就必须协调作用，相互配合。声音或高或低、或强或弱、或柔或刚，在整个发音过程中身体各部位都应该积极主动，密切配合。没有受过声音训练的人，在自然音域内能够流畅地歌唱。但遇到过低、特别是过高的声音时，就一筹莫展、难以应付了。他们不是声嘶力竭地喊叫，就是憋得脸红脖子粗，怎么也唱不上去。发生这种情况的主要原因在于，各器官之间配合不当，该打开的地方没有打开，该拉紧的地方没有拉紧，该放松的地方没有放松。 要想解决歌唱中所遇到的各种问题，就必须要弄清歌唱的原理。必须在有经验的教师指导下，系统地训练各器官之间的协调性。有人曾多次询问在歌唱学习的过程中有什么捷径？笔者认为：在声乐学习的过程中，只要不走错路、弯路，就算是走了捷径。正确的方法加上刻苦的磨练就是成功的法宝。这就是学习声乐的基本原则。实践证明，无论是老师还是学生，谁遵循了这条原则，谁就能成功，谁违背了这条原则，最终失败就是必然的结局。下面，我就具体叙述一下声乐学习过程中，身体各主要器官的功能和运动过程。

一

声带在歌唱中的作用是非常重要的。它犹如管乐器中的哨嘴和簧舌一样，起着发声的作用。声带的光滑程度，厚薄程度，闭合好坏都影响着声音的质量。我们平时所说的某某人的声音好听或不好听，也就是说某某人声带发出的声音是好听还是不好听。人体发出来的声音是纯净明亮还是干瘪嘶哑，都是由自身声带的质量所决定的。因此，一个人的声乐梦想能否实现，其声带的质量起着决定性的作用。

那么，声带到底是什么东西？它又是如何工作的呢？声带是人体这件乐器的发声体。它位于人的喉结下方，喉管内壁，由两片半圆形的扁状韧带组成。当人呼吸时，它自然放松地分开，让气息畅通无阻地进出。如果人要说话和发声时，它本能地向喉管中间靠拢。当靠拢到一定程度时，就会受气流的冲击而来回振动进而发声。发出的声音越低,声带的振动面积和振动幅度就越大，而振动的频率，也就是每秒钟来回振动的次数就越少；发出的声音越高，声带的振动面积和振动幅度就越小，振动的频率就会越高。人的说话是建立在声带特定振动的范围之内，不需要严格的训练。但要想满足声乐作品的需要，发出很低或很高的声音，声带就必须要达到所需要的振幅和频率。发低音时，要放慢振动频率，训练声带逐步达到全幅振动，直到发不出的音，就是低音的极限音。反之，随着音阶的升高，声带要逐渐加快振动频率而减小振动面积，直到很少很少的边缘高频振动来发出极限高音。一般来说，男女高音的极限一般是高音C。在这个音上，歌唱者必须控制和协调好声带的振动频率，如果声带振动不协调，就根本发不出此音。平时，对声带的使用和练习，要从自然音做起，不能急燥。在自然音域内要反复用顿音和长音进行强化训练，让它灵活自如地调节振幅和频率而发出柔和的声音，切忌拼命喊叫，损坏声带。练习到一定程度，等声带适应了歌唱时所需要的韧劲和柔劲后，利用中音的感觉，再慢慢向低音和高音发展。原则上，每发展半个音都必须经过一段时间的反复锤炼和稳定后方可再向前发展。如果感到吃力或着声音有明显僵硬和尖叫，就必须立即停止。因为声带是非常娇嫩和脆弱的发声体，用力过度，或刺激过度，都会发生闭合不严和声带小节等变。

在练习歌唱的过程中，歌唱者要时刻认真体验声带的细微变化，有意识地感觉控制声带那组肌肉的运动。如果准备好气后仍发不出声音来，说明声带没有工作或声带闭合不严，使气息白白漏掉了。如果声带能够发出正常的声音，歌唱者也不能用力过度，而要用柔和的气息使其发声。运用声带发声就象打鼓的原理一样，有人总觉得鼓不够响而拚命用鼓棰砸鼓。结果很容易把鼓面损坏，声带比鼓面更娇嫩，用气过猛或用力过大都容易使其损坏。所以，千万不可拼命地喊叫。在发声的过程中，声带的变化也是很有讲究的，随着高低音的变化，声带振动的范围和力度都要变化，音阶下行时，声带逐渐变厚变宽，使其能发出低沉浑厚的声音。在唱上行音阶时，声带逐渐变薄变窄，并逐渐拉紧，发出高亢明亮的声音。只有明白了声带在歌唱中的作用和它在歌唱中的变化规律，通过长时间的体会和记忆，才能达到运用声带和控制声带的目的。此外，从事声乐工作和学习的人，平时还应该保养和保护声带，不要声嘶力竭地喊叫，不要吃过分辛辣的食物，也不要让身体长期处在疲劳状态中，也不要过分地熬夜。因为这些都有害于声带的健康。一旦声带损坏了，歌唱者就失去了歌唱的本钱，就象一把没有哨嘴的琐呐一样，看着象一件乐器，但它已经失去了原有的使用价值。

二

意大利男高音之父卡鲁索先生在《 歌唱的方法》一书中写道：“在所有学习歌唱的人中，谁掌握了正确的呼吸，谁就成功了一半。”这话一点不假，因为气息是发出声音的动力，也是各种声音技巧的“ 能源”，更是歌唱中重要的表情手段。如果没有气息，就根本不可能有歌唱活动。同理，如果没有正确高效的呼吸，便不能唱出美妙动听的歌声，更不可能有淋漓尽致的艺术表现。在整个歌唱活动中，尽管需要身体各部位的相互配合，需要许多环节的协调一致，但呼吸是其中最重要的一环，它是整个声音建筑的基石，也是歌唱艺术的生命。如果谁抛开了正确的呼吸去谈论歌唱，就如同鸟放弃了翅膀去谈论飞翔一样可笑。

那么，什么是歌唱时正确的呼吸呢？歌唱中正确的呼吸既不是呼吸时两肩上抬、胸廓紧张的浅胸式呼吸法；也不是呼吸时腹部一起一伏、胸部僵硬紧逼的纯腹式呼吸法。而是打开口腔用胸腔和腹腔联合运动而完成的呼吸动作。正确呼吸的要领是：操纵气息的部位在胸部和腹部的连接处，即横膈膜。吸气时，胸部放松，腰部周围明显扩张，两肺底部的横隔膜向下运动，气息自然充分地吸入身体。呼气时，胸腔扩张挺起，小腹向内向上收缩，横膈膜向上运动，将气息由肺部挤出，完成发声过程。这一过程叫做胸腹联合呼吸法。也是歌唱中最科学、最完美和最理想的呼吸方法。它是由意大利美声学派在漫长的艺术实践中总结出来的宝贵经验，是声音训练的原则和歌唱艺术的精髓。

胸腹联合呼吸虽然是歌唱中最理想的呼吸方法，但它也是最难掌握的一种呼吸方法。由于它区别于正常生活中的自然呼吸，是由身体内部各器官协调对抗的结果。所以，必须采用一定的手段，经过一定时间的训练才能获得。在训练过程中，歌唱者要有足够的耐心和毅力，要一丝不苟地按照要求去琢磨、去体会，也可以采用一些具体的练习方法去寻找将气息吸入腔体又保持住的感觉。这些方法有：平心静气地去闻鲜花的芳香，有突然受到惊吓时的倒吸冷气，还有无声练习中的慢吸慢呼、慢吸快呼、快吸慢呼和快吸快呼等。用这些具体正确的方法练习一段时间后，如果感到胸部、腰部及全身都有了感觉，再用简单的音节练习去套用正确的呼吸过程进行发声，直到能够用富有弹性的呼吸完成歌唱，就算是初步掌握了歌唱过程中的正确呼吸。也算是自己的歌唱生涯有了一个良好的开端。

三

在歌唱过程中，身体各部位的协调和配合是很重要的。尤其是气息与声带间的关系，如果解决的好，就算是走对了第一步。因为人的发声过程是用气息冲击声带而完成的。气息是动力，声带是震动体，气息与声带的关系如同簧管乐器的气与簧片一样，没有气就没有声，而没有正常合理的声带震动，也会使呼吸无的放矢。有一定的气压才能吹动声带震颤，发出声音。而气压和气柱，也只能依靠声带靠拢震动时给气的阻力和反作用力才能形成。这就是气和声相互依存的关系。

在歌唱过程中，这二者的关系可能是协调的、均衡的、合理的；也可能因观念不对，用法不当而成为不协调、不均衡和不合理的 。那么，怎样观察、判断声气关系的状况并加以调整以求得协调合理呢？声气关系的核心部位是声门，声门状态是声气关系状态的主要标志。声门状态用声气观察比例来思考、衡量和调整。我们常可遇到以下错误：一种是声带闭合用力过份了，甚至受到挤卡。致使声门处两游离缘相互磨擦。这时出现一种假象：似乎歌唱的气不仅够用而且很长，但听起来气流不通畅，没有流动感，音色贼亮刺耳，粗糙发抖而不能控制。我们称这种情况为声大于气或声多于气。意思是指用声带的力量多于正常的需要，而气息的流量却少于正常的需要。另一种情况是歌唱时声带两游离缘不够靠拢，声音空虚，气息无的放矢。歌唱的人自觉气短，这是因为声带漏气，相当一部分气能被浪费掉了的原因。我们称此种情况叫气大于声或气多于声。这两种情况都可能因声带游离缘相互磨擦或气流冲击游离缘而形成声带病变。，有时，以上两种情况是由于用气不当的原因而造成的。如两肩上端，呼吸过浅或呼吸过于控制和保持而僵化等。这些情况都会造成气压不足致使声带的运动肌肉和某些喉外肌帮忙来进行替代。另外，气用得过猛过冲也会造成声带拼命挡气不能正常作合理振颤。还有，歌唱者的声带不能随声区变化而改变振颤方式也会造成声气比例不正常；如在中低音区和高音区一样主要用声带边缘振动就会气大于声。或在高音区仍坚持声带全幅振动就会声大于气。在实际当中有多种比例的声气组合，这多种比例绝不能说只有一种是对的。歌唱者自身如能从不同作品、不同风格、不同感情、不同艺术需要出发去自觉判断自己的声气关系、调整声气关系，就可清醒地掌握自己的用声和用气。当然，声气艺术不是孤立存在的,它自身也构成矛盾的一个方面和别的因素构成矛盾：如和身体姿势、喉头位置、共鸣使用、歌唱者声音观念、耳朵感受自己发声的错觉等都有密切的关系。不管有多少对矛盾,歌唱者必须清楚：建立正确的声气关系是歌唱中的基本原则和第一原则。

四

在歌唱过程中，喉头位置的高低对声音的好坏起着至关重要的作用。喉头位置即使有一点点移动，都会在歌唱的音色上有所反映。因此，歌唱时把握准确的喉头位置，才能把自己嗓音的歌唱性能充分地表现出来。但在实际歌唱中，准确的喉头位置是很难把握的。一些人在追求声音的高吭和明亮的同时，喜欢抄一条近路：他们用提起喉头的办法缩短咽腔使之容易发出高音；还有一些人本不是中低音却为了追求声音的宽厚而用了压低喉头，伸长咽腔的办法。过分提高喉头的人,呼吸必然浅，声音尖锐刺耳，缺乏通畅感和胸腔共鸣,也没有真正的头腔共呜。音量受到很大的限制。有人甚至下巴突出,面目可怖。过分压低喉头的人，声音吊滞、闷而空、声音沉重，缺乏真正的头声和柔美灵活的感觉，失去了应有的高音。也有人像长号一样在低音区压喉，高音区提喉，高、中、低音区音色完全不统一。

无论喉头过高或过低又分别有两种情况：

一是有人无论喉头升或降舌颚肌都不紧张，下巴不硬不突出，舌骨不前移下压。这种情况的发声只不过音色不统一但无紧逼感和闷塞感。二是另外一些人无论提喉或压喉，舌颚肌都是紧绷的，下巴僵硬突出。这种人歌唱更容易疲劳，对声音损害更大。那么,什么是最恰当的喉头位置呢？作为基本功而言，良好恰当的喉头位置是带有自然的面部表情、半张口深吸气时的较低的喉头位置。有时因每个人声音的特殊性也有例外，那就需要用耳朵的听力去鉴别，看什么喉头位置在个别歌唱者的身上能发出最佳的音色。就同一个歌唱者来说，演唱不同时代、不同风格、不同感情的作品，甚至一个歌曲中不同句子的不同表情都要求喉位根据艺术表现的需要作某些调整。但喉头位置的任何微小调整都不能使舌颚肌紧张。舌颚肌紧张，下巴僵硬，永远是有害的。在歌唱过程中，提喉和放喉两种动作也是一对矛盾。当提喉肌组用力收缩时，放喉肌组一面伸张一面又保持一定的抗衡力。当放喉肌组收缩用力时,提喉肌组一面伸张又一面保持一定的抗衡力。因此，没有放也就无所谓提,没有提也就无所谓放。提和放的最优分寸感应该统一于科学和艺术的需要之中。这就是歌唱训练时提喉和放喉的辨证关系, 也是学习歌唱时应该着重注意的问题。

五

要想唱歌就必须张嘴，这是众所周知的。然而歌唱中正确的张嘴却不那么容易。它指的是上下左右前后的整体打开。也就是说，人的口腔内空间假如是一个立方体的话，一方面这六个面都是可变和可活动的，而另一方面它又是相互牵制和相互影响的。怎样处理口腔打开中的纵横内外的关系呢？我们知道，歌唱中口腔张开的目的有三个：

一是使下颚放松、喉咙舒展通畅。二是使口腔起到喇叭口的作用让音波传出去。三是咬字吐字动作的需要。口腔打开的“内”是指喉头适度下降,呈半打哈欠状，会厌打开软颚略提起；“外”指上下颚张开度及唇部的打开。从“内”“外”的关系来讲,内是实质,外是内的舒展和发挥。内比外更重要，如果没有内开而只有外开，那声音会紧逼喊叫，发浅发白。如果没有外开只有内开，有些人在下巴松软的前提下能唱出高音，甚至技巧好的人也能唱到音域的极限最高音，并且位置高而集中，但音响不如内外都开时充分完美。还有一种情况是，只有内开而无外开时，有些人下巴又同时僵硬，则声音必然闷塞、小而直，音域也会收窄很多。

口腔的纵开和横开指唇的动作。纵开在内开的前提下、能帮助喉头稳定，比横开更促使喉头低一些，容易增加音色的浑厚感和庄重感。但纵开要注意两个问题：

一是下唇和下巴一定要松下来，随颚关节运动向斜后方向放松的打开。如果下巴向前移动，那就会纵开越大，声音越差。二是上唇不能包齿，可比上齿略高，由两颧骨处面部肌肉的兴奋牵动上唇向上。但在实际歌唱中，没有纯粹的口腔纵开。也就是说，在纵向打开时，总是有横开的因素和它相抗衡。如果不强调横开而使嘴成了一长条，那音响也不会饱满充分。再看横开，横开应是微笑的口型,而不是咧嘴角。这种微笑的口型应和欣喜的心情一样。横开的好处是，它容易使舌颚肌松驰、避免舌骨前移下压，容易使音色明亮灵活。但横开时一定要注意内开的实质，避免喉头过高。咬字时也要注意，嘴角嘴唇随语言而动不要任何强制。同样道理，任何横开时下巴必然有纵开的成份与之相抗衡。如只注意横开而忽视了纵开的成份，那上下唇之间就成了一条窄缝，和根本不张嘴的效果是差不多的，也根本不可能唱出美妙动听的歌声。在一般情况下，中声区在内开的前提下，外开中横开的因素应多于纵开的因素。随着声音发展到高音，纵开的因素应该逐步增加。总而言之，在歌唱的整个过程中,声音应该是统一、稳定的，口型也应随感情和咬字而运动自如，这是我们对声音的审美需要和对形象要求的基本标准。

六

在学习歌唱的过程中，有人经常问到声音的靠前和靠后问题。那么,声音到底是靠前好还是靠后好呢？我觉得这是一个声音的观念问题，主张声音靠前的人总是强调声音的集中和明亮，而主张声音靠后的人总是强调声音的浑后和通畅。其实靠前和靠后的主张都没有错，只是有些片面而已。准确的理解是，应该根据歌曲的要求和元音、母音发音的规律去规划声音在腔体里形成的部位和共鸣的区域。

比如，辅音挡气的多数动作在口腔前部，用唇、齿和舌来完成，而发音的部分和元音都应在口腔前部兴奋放松的前提下，在中后部口腔及咽部形成。这样能产生出高位置、共呜较丰富和较圆润的声音。音阶越升高，母音的共呜区域越从中部靠向后部，声音自我感觉的方向感越趋向于垂直甚至稍倾向于脑后。如果从歌唱的人体和听众之间关系来讲，当然不能让声音向后传而只能是向前传去。也就是说，在中后部形成的声音共呜通过口鼻传向听众。这个过程就是声带振动了身体共呜管道，振响了整个共鸣腔再传向前去的结果。如果用六个字概括，可叙述为“靠后唱，向前传”。如同射箭一样，向后拉弓、向前射箭。前和后并不矛盾而是相互依存的。可总结为，呼吸的深入、下巴松软、软颚适度打开，会厌的卷起、声门的良好状态，保证声音的竖向和良好的共呜，以及向后靠住的感觉，这就是前三个字“靠后唱”；而硬颚的适度张开、唇部面部的兴奋放松、良好的舌位和避免舌骨前移下压等条件，又保证了所形成的共鸣的音波无阻碍地向前传送，这就是后三字“向前传”。没有竖向感，缺乏管道共呜的发散的声音无论如何向前送，无论如何张大口腔也是干瘪无力的。也就是说没有“后”就没有‘前”。相反，如后面声音形成了，却包起唇部、面部紧张、硬颚舌头消极翘起、下巴上胸僵硬、那么口腔中后部及咽管依然形不成良如共呜，即使有些共呜也不能传出去。这就是没有“前”就没有“后”。另外,如要加强声音的亲切感、生活感就要将元音和共鸣位置适度前移；如要强调声音雄伟、庄严、就要将元音形成梢靠后一些。声音形成靠后和靠前的程度也是随艺术的需要而加以调整的。不同艺术种类、不同风格体栽的作品，具有不同的审美标准。比如，有人在学习歌唱过程中开始声音白、散、竖不起来，在改进唱法后他往往感觉是在向后唱，声音变得浑后了；又比如，一个人本来声音闷、暗、空、出不来,他想改进声音时可能自觉的要向前唱才能使声音集中明亮，流畅自然。总之，明白了靠前和靠后的真正含意及辨证关系就可不受字面各种说法的困惑和限制，随艺术的需要建立起良好的声音概念和掌握科学的歌唱方法。